驻馆艺术家到上苑艺术村申伟光工作室参观留影

    时       间：2007年10月14-29日
    地       点：上苑艺术馆咖啡厅
    列 席 人员：程小蓓、崔卫平、邓平祥、窦良羽、胡赳赳、付小明、蒋浩、姜志平、申伟光、庞智卿、徐忠平、赵木头人、邹时丰、张晓童、张志刚、张广辉、朱立波
    整       理：张志刚
 
    驻馆艺术家与上苑批评家邓平祥等就驻馆艺术家作品进行讨论
 
    程小蓓：各位驻馆艺术家已经到馆半个多月了，期间咱们有过几次跨界的艺术交流，除了我们驻馆艺术家自己内部的交流而外，社会批评家崔卫平、艺术批评家邓平祥、《新周刊》诗人胡赳赳等都到上苑艺术馆与大家一起进行过交流座谈。如果大家感觉有必要，今后我们还将邀请更多不同艺术领域的艺术家来参与对话。特别是当你们的近期创作积累到一定数量时，我们还可以就某一位画家的作品展开专门的讨论，也可以就某一个主题展开来谈。今天到馆来的是蒋浩，他是当代优秀的青年诗人，也曾在海南大学教过美术史。

    蒋  浩：不敢，一起闲聊呗。

    程小蓓：前些天邓平祥来了，当天晚上大家反映还挺好的，不知怎么的，第二天，大家又对他的观点有了另外的理解。他那天主要讲了，大家要找到自己的表达方式，如某种适合于自己要表达的颜色、某种块面、某种线条、某种形体，然后做到极致。单因素的极致发挥便是“现代”。强调要个性化，在心理上和精神上的深入表达，找到一个点，深挖下去。另外，也可以先学一种流派，或研究一个成功的案例，然后找到自己，抓住自己想要的，再提升起来。因为毕加索这样的天才世界上太少，天才是制定法则的。美术发展到现在，已经进入了技术的困境，价值的虚无。我们必须丰富自己的思想、文化、情感，再通过感性的形式表现出来。我觉得要多听来自不同方向的声音，并宽容面对所有的看法，不管别人说什么，我们取我们所需的。

    姜志平：其实有些东西也对，但是我感觉他说话的那种感觉不对。
 
    蒋  浩：你的感觉有道理。其实当时你（程小蓓）给我打电话，我就说，我关注的是一个艺术家这一辈子想成为一个什么样的状态，就跟艾略特强调的看一个作家的作品，应该看全集。所以我特别我强调两个东西，一个是专业基础，一个综合修养。隔段时间画画素描，画画线条这些基础的东西，我觉得是一辈子反复训练的基础，就像女人来月经一样，对于健康是必须的。我们很多时候的判断，往往会回到根部上。第二，我觉得说应该给自己一个既整体、又有阶段性的规划。我觉得邓老师说的也有道理，他是从另外一个眼光，一个成功学的，就是目前流行的成功学，就是怎样让自己能够成功，就是有自己的形式感，马上能跟别人的区别开来，马上能介入市场，马上引人注目。他说的这个，他是另外一个意义系统，他所要的结果，考虑方式都是不一样的。所以说也是有道理的。你要做艺术，也许真要对当代艺术和艺术史要非常了解，这是我们一开始就谈论到的。有点像语言的历时性和共时性的问题。这是一个交汇点。你和那些艺术家不在一个平台上，但你要对他们了解，比如他们的创作状态，他们阶段性的变化，要对这些所谓成功人士，成功画家非常了解。这是一个，第二，要了解艺术史的状态，比方说从最初怎样变化到今天，我觉得这个得有一定的了解，做到心中有数，然后按他的说法，找自己的语言，找自己的形式感，找自己对色彩的偏爱和处理，其实找的过程就是如何克服影响的焦虑。就是我们写东西，你看到传统对我们的影响。比如，我今天看张晓童的画，我觉得他对色彩的处理，这种氛围，这种情调，他可能喜欢某一类我看过的艺术家，这都没有错，每个人都会这样，我们不是生而知之的，但是我觉得这是一个过程。但是我反对的是什么，我反对的一类艺术家是比如人家画了一只狗，他就故意去画狗的半边什么的，简单的去画蒙娜丽莎两撇胡子。我喜欢的艺术家，我觉得，比方说等画到到四十岁，五十岁，别人一看就是姜志平的，我希望这种语言，这种形式感是自然而然的带着你的履历，你的人生的痕迹，你无数次研究色彩、线条的积累，带着你对艺术的理解，你的功夫，慢慢慢慢的过来的。我不希望一开始就穿奇装异服，我是希望有一个渐变的过程。所谓顿悟，其实是包含在不停的渐悟过程中，你的风格就这样形成了。有点迷糊的状态也许更好。但做艺术本身是清醒的。上个世纪，阐释学特别发达，比如说伯依斯放个大钢琴在大厅里面，这个在十九世纪是不能接受的，但是有一帮解释学来给他找意义，这在20世纪是一个非常大的一个特点。包括小说，比如说出现了卡夫卡的作品，他写到当代人的精神状态：孤独，变态，压抑，变形，虚无，绝望，等等。因为在19世纪、18世纪人类不太这样去看待世界，那时人类多少都还怀着些英雄主义情节。20世纪整个就是精神分裂，像弗洛伊德的这个理论，对艺术的冲击特别大，就产生一种东西去解释他，所以就引出了一帮评论家，一帮理论特别发达的，去不停的阐释他。当然，阐释的传统一直也没断过，比方说中国的经典，你可以说是对《十三经》的解释之解释。所以整个人类是从一个根上发展起来的一个理论体系。但不停的解释总是从边缘出发，形成很多甚至不相交的意义的旋涡，这样我们的思想世界才得以越来越细化了。我们要接续这种更精致微妙的具体工作。我希望以后我们哥们在一起聊天，我不希望听见仅仅说我的画表现孤独，而孤独是有很多不同的内涵和外延的。我解释我的孤独，我希望大家能够去画这个东西，这样你就是能够跟人沟通，跟评论者，跟参观者沟通，会达到一个很深的向度上去，就是人家信你这个。宗教有一个基准就是要人相信，意义产生的立足点就是信。我信你这幅画给我的感觉或思想，或节奏。所谓理论，就是多交流，把自己的语言，对画的阐释有一套新的个人话语。当然这也需要读艺术史，比如说联系到对自己的影响，就是不要谈感觉，仅仅谈感觉，谈孤独，谈爱，这些语汇经很空了。要不就谈技术，比如说我喜欢红色，那么你对红色有个研究，从一开始画你比较重要的作品中的红色对你的影响，如果你能写出一篇文章来，那么人们一下子对你的画，理解就更丰富了。画不好也没关系，只要说的好。我这是开玩笑，但这种东西的确得谈得出来，要侃起来。
 
    程小蓓：你这个要求过了，一个视觉艺术家，大多不太可能有很好的语言阐述能力来表达自己。这个不是画家的功能，这是一个语言学家的功能，或者是一个批评学家的功能。

    蒋  浩：如果一个人有好多年画画的经验，来谈这个画，就跟我这种没有从业经验的人来谈，概念是不一样的。我觉得这种差异性很重要。我不是希望在座的都成为理论家，而是希望有意识的画画之余，在我们的这种交谈当中大胆的表达自己，有意识的去思考自己对这个画的理解，有意识的训练自己。不是说要成为理论家。比方说我喜欢晓童的画，那我写一篇文章，又不能谈得云天雾里，第一个我要谈出我自己独特的，比如说我是一个艺术家，诗歌的从业者，从我的角度进入他的东西给我的感受力，同时我又希望和他谈出来的碰撞出一种东西。那么这种东西肯定处碰到方方面面，然后他看到我的文章，又引起他的思考，这种东西就是形成大家的一个交汇，也许这幅画他本生的意义又不一样。

    程小蓓：你的意思是要一个视觉艺术家提高语言交流的能力。确实，如果画家自己对自己作品的阐述的能力没有，或者有局限的话，实际上就降低了他的作品。付小明来的时候对他的作品有一个阐述，我说那对他的作品是个减法。庞智卿那天在我们内部交流的时候，对他自己的作品中的黑白灰块面里使用路标黄色的线（交通规则线），来表达一个社会法则与人的越规行为上的矛盾，这很准确。但是那天上苑的艺术家徐忠平来看到庞智卿的作品却看到有怀旧的感觉，有的艺术家欢迎误读，他就是会产生这种效应，我说的效应就是延伸性阅读吧。从这些天几次大家坐在一起聊天的时候，我感觉到这些视觉艺术家在阐述自己作品的时候基本上是减法的感觉。我今天到邹时丰和姜志平的工作室看，他们两个有很大的不同，前者很男性化，很理性化，甚至是很物质化。而后者比较阴柔的，唯心一些，并且有种宿命感。但我没有听到他们自己有对自己作品的这种表达。姜志平：这是在我们谈话的时候我没有对我的作品进行详细的解释，你们对我作品的那种感受，在我平常的过程中都是有的。就是我对我的画有这样的感觉，在我的画里面宿命感是一个比较强的特征，其实我的思维，我的生活，强调一种无意识的状态，就是说那种宿命的感觉。我不喜欢对着物体画，我喜欢想着画，我开始学画画的时候学的是国画，画国画他讲的是一种心境。就中国文化来讲的话，像道教呀，佛教呀他们的那种思想就是好像梦由心生的那种感觉，所以我就比较喜欢那种东西。我不是很喜欢写生，很多时候我是靠我的心去表现的。所以说一般看我的画可以说就是内敛一点，就是往内在去思考一些东西。因为我从小是一个思考比较多一点的人，经常会一个人孤独的思考，我很享受这种感觉。我高中也常写点东西，那时我很喜欢这种孤独的感觉，那感觉带一点痛，但我有点上瘾。
 
    他的画面里头也是有点比较灰，有点冷的调子，而且有点像雪原的那种感觉，但他并不是画的雪，就是在那个很苍凉的背景上有一个倒地上的儿童般不助的人物，他的画面能给人带来你说的那种痛，是发凉的那种痛，你的画面传导给我这种感觉，孤独、迷茫、心无所依、人无所靠，特无助。